testo critico di Laura Poletto

1 st FLOOR indica letteralmente un luogo, uno spazio dove artisti impegnati su fronti ideativi distinti si sono posti in relazione indicando percorsi creativi autonomi nell'ambito della produzione artistica contemporanea attraverso mezzi linguistici differenti, dalla pittura all'installazione scultorea e audio-video.
La pittura di Fabio Bianco è strumento di apertura visionaria, che pur non abdicando al dato reale lo supera e lo trasforma attraverso la stesura di complesse trame cromatiche; liquida e metamorfica, la sua pittura rompe e sfalda confini e fissità di ambienti chiusi, moltiplicando piani e vie di fuga prospettiche, confondendo la distanza tra cosa e cosa, soffitto e pavimento, immagine e riflesso. Nella serie dei Chandeliers lo spazio interno sembra dilatarsi e modificarsi ad ogni sguardo, con sovrapposizioni di superfici instabili e slittamenti di pareti; una condizione rispetto alla quale l'osservatore deve continuamente ricollocarsi, quasi un inganno, dove luoghi chiusi divengono infiniti o in infinito cambiamento. A questa mobilità fanno da contrappunto i dispositivi elettronici di Interno 3 (Laura Riolfatto e Manuel Frara), dove, tuttavia, il rigore è fratturato. La transitorietà della tecnologia, basata sulla presupposta infinita perfettibilità, apre riflessioni sull'obsolescenza, sul disuso e sulle imperfezioni nel funzionamento. La ricerca sul versante del linguaggio video investe sia l'elaborazione dell'immagine che il suo mezzo di funzionamento. Il dispositivo elettronico acquisisce, quindi, una “funzione estetica”: dalla destrutturazione dell'insieme degli elementi finalizzata allo svelamento delle singole componenti alla composizione di congegni unici, chiusi, compatti. Oggetti di una tecnologia del passato mettono in atto le proprie funzioni o malfunzionamenti visivi e sonori su monitor di dispositivi perfettamente funzionanti, rigorosi, attuali. Si innescano aperture ipoteticamente ininterrotte sul disuso e si instaurano complesse connessioni tra materialità e immaterialità e tridimensionalità e bidimensionalità, osbsolescenza e continui ricambi, abitudini visive e interruzioni delle stesse. Dimensioni percettivo-sensoriali legate ad elementi fisici vengono messe in atto in opere quali Mare Nostrum dove suono ed immagine introducono ad un procedere introspettivo. In Andrea Morucchio le ragioni della forma si intrecciano in un equilibrio inscindibile con i concetti, siano essi di natura spirituale, culturale o socio-politica. La tensione, il rapporto dinamico tra opposti è uno degli aspetti fondamentali della sua produzione scultorea, un intreccio necessario di materiali e forze: cristallo e camere d'aria, vetro e ferro. Opere che si generano per costrizione (Javelins) o per aperture e sfondamenti (Enlightements). Connessioni tra tempi differenti, agganci tra storia e contemporaneità emergono nell'ideazione di una serie di sculture in vetro acidato realizzate sulla copia esatta di una celata del XIV secolo. Una schiera di elmi neri dal sorriso arcaio e indecifrabile palesano l'eterno ritorno, il continuo rinnovarsi di antiche dinamiche del potere, tra dominatori e dominati, soggetti e assoggettati. Un nero così denso che sembra assorbire il tutto, della storia e del tempo, il passato e il presente, a rappresentare forse un tragico punto di saturazione. Potrebbe quell'espressione enigmatica, apparentemente insondabile, divenire il segno di una consapevolezza, di una resistenza o di un'imminente rottura delle file? Alla medesima dimensione riflessiva si collega B[e]d Time, un letto/scultura, che nella sua ironica inesperibilità si fa metaforico giaciglio di tortura del pensiero.

critic text by Laura Poletto

1st FLOOR literally denotes a place: it is a space where artists who
are engaged on different conceptual fronts have placed themselves in
relation with one another, indicating autonomous creative paths within
the context of contemporary artistic production via different
linguistic modes, including painting, sculptural installation and
audio-video works.
Fabio Bianco’s painting is a tool for visionary aperture. Though it
does not abdicate the real subject, it surpasses and transforms it
through the complex interweaving of chromatic layers. Liquid and
metaphoric, his painting cracks and breaks the limits and fixities of
closed environments, multiplying planes and vanishing points, while
confusing the distance between things: ceiling and floor, image and
reflection. In the Chandeliers series, the internal space seems to
expand and modify at each glance. The overlapping of unstable surfaces
and the shifting of walls create a condition of continuous
reorientation for the observer - an illusion in which the closed
spaces become infinite or in a state of infinite change.
The electronic devices of Interno 3 (Laura Riolfatto and Manuel
Frara), where the rigour is nevertheless fractured, counterpoise this
mobility. The transitoriness of technology, based on its assumed
infinite perfectibility opens up considerations on obsolescence,
disuse and the imperfections of its workings. The research through
video language impacts on both the elaboration of the image and its
means of operating.
The electronic device thus acquires an “aesthetic function”: from the
destructuralization of the set of elements, finalized in the
revelation of the singular components, to the composition of unique,
closed and compact gadgets. Objects of a past technology enact their
own visual and audio functions or malfunctions on a screen of
perfectly operating, precise and up to date apparatus. They trigger
hypothetically uninterrupted deployments of disuse and establish
complex connections between materiality and immateriality, as well as
three-dimensionality and bi-dimensionality, obsolescence and
continuous replacement, visual habits and their interruption.
Sensorial-perceptive dimensions connected to physical elements are
played out in works such as Mare Nostrum, where sound and image
introduce an introspective procedure. In Andrea Morucchio’s works, the
reasons of form interweave with and are inseparably balanced by the
concepts, these being of a spiritual, cultural or socio-political
nature. Tension - the dynamic relationship between opposites - is one
of the fundamental aspects of his sculptures, which are a necessary
intermingling of materials and forces: crystal and inner tubes, glass
and iron. They are works that generate themselves through constriction
(Javelins) or through openings and breakthroughs (Enlightenments).
Connections between different times, links between history and
contemporaneity, emerge in the production of a series of sculptures in
frosted glass, cast off an exact replica of a fourteenth century
celata. A formation of black helmets with archaic and indecipherable
smiles reveal the eternal return, the continuous renewal of ancient
dimensions of power between dominator and dominated, subject and
subjected. Their dense black colour seems to absorb all - history and
time, past and present - while perhaps representing a tragic point of
saturation. Could that enigmatic expression, seemingly unfathomable,
become the sign of an awareness, of a resistance, or of an imminent
breaking of the ranks? B[e]d Time is connected to this same reflexive
dimension. It is a bed/sculpture which, through the ironic
impossibility of action, becomes a metaphoric couch of torture of
thought.